雕塑中的色彩作用

        在自然界中，物体除了具备形体之外，还具有丰富美丽动人的色彩。在人类的视觉体验和感受中，物体的形状和物体的色彩是人类认识自然的第一步。人类对石头雕凿和对色彩描绘是同步进行的，雕塑和绘画艺术的产生，亦可视为人类这一行为的结果。
　　人类在某种程度上，对自然界的色彩敏感程度超过了对物体形态的把握。物体本身多具有色彩，经过加工处理后，又会以不同的色泽显现，在这里我们称之为自然本色。石头因石质不同呈现出丰富多样的色彩，如花岗岩、黑玉等。
　　相比之下，色彩比物体形态更容易让人接受，倘若地球是个没有色彩的世界，其景状可想而知是多么可怕和冷酷。可以说因色彩而使世界充满了情感的变化。白色的细腻、纯洁，灰色的坚实、幽默，黑色的深沉、冷静，都体现出人类内在的情绪，不同的材质及色彩赋予雕塑感人至深的力量和魅力。
　　回顾历史，世界各国在雕塑发展的过程中，色彩在雕塑的运用上也与雕塑同步发展。用中国画的“六法论”中的“随类赋彩”就可概括。早在希腊、罗马时期，雕塑都根据人们不同的肤色和衣着进行上彩着装，为的是更真实的体现对象。在陕西临潼出土的秦始皇兵马俑、甘肃敦煌莫高窟的彩塑中，都有对人物的肌肤、衣着进行写实逼真的描绘，古今中外这种雕塑与彩绘共存的现象并不是孤立存在的，它与人类社会文明进步与发展有着紧密的联系。
　　中国青铜器以其造型奇特，纹样诡异，制作精巧而著称，经过千年的历史，自然的氧化给青铜器笼罩了一层更加神秘的气氛。一般而言，铜从纯度上可分为黄铜、红铜、青铜，经过氧化或人为加工处理，又会呈现各式各样的色彩效果。现代雕塑大师布朗西在雕塑的表现上，把形式、材质和色泽放在首要位置，赋予它独特的意义。他的作品对材料本身的美特别看重，并使之具有独特的价值。如作品《波加尼小姐》中的人物卵形的脸庞，流动的形体，以其造型单纯和抛光材料本色，揭示出人物内在的高贵气质。
　　木材的色泽也很丰富，细腻的乌木、典雅的黄杨木、深沉的枣木等等，都显现出色泽质朴的魅力。欧洲许多雕塑家都尝试使用不同硬度和色彩的木料，性质不同的金属（色彩）进行创作，创作出不少的优秀作品。对材料的自然色彩最大限度的发挥和作用，形成了现代雕塑的特征之一。
　　人为色彩在雕塑上的使用是现代雕塑普遍存在的一大现象。这种人为色彩主要区 别于传统彩塑中对客观对象色彩的真实和再现，人为色彩所包含的内容更为理性、直观、自由，强调色彩本身所呈现的情感。
　　在造型艺术世界中，从传统观念来看，形要比色更受到重视，那时雕塑家认为色彩是画家的事情，康德也曾说过：“形是主要的东西，从绘画、雕塑、建筑、园林艺术上说是形是本质，它是趣味的基础。”那么色彩是什么呢？现代绘画大师马蒂斯则这样认为“假如形是精神的东西，那么色彩就是感情，首先要画形，然后孕育精神，往精神中导入色彩。”无疑色彩本身也有着情感多层次的表现。
　　无色系的黑、白、灰，总体倾向于寒意。明度几乎对寒冷的表现没有什么影响，而色的轻重则由明度来决定，色彩的纯度起不到什么作用。色的软硬感取决于色纯度。中纯度的色较为轻柔，而纯度高或纯度低则有强硬感的倾向。色彩本身表明，除了有寒暖、轻重的感觉外，还有硬与软、强与弱、明快与阴暗、热情与冷默、兴奋或沉静、华美或质朴等。
色彩的明快与忧郁感是由明度和纯度决定的，尤其是纯度对色彩的明快有较大的影响。如红、紫等暖色则为明快，黄、绿、蓝则显得阴沉，忧郁的灰紫色是暗淡混浊。在暖色系中越是倾向红色的色相，兴奋度就越强。例如，现代雕塑家野口勇设计的《红立方体》，体现了色彩在巨大而灰暗冷漠的建筑物间所到改变环境气氛的作用。红色的热情和兴奋给人在视觉心理上，起到了适应和弥补环境给人带来的心理压力和不平衡感。这样做就好像在家里摆放几盆绿色的植物或色彩斑斓的鲜花，会给你的生活营造一种温馨与谐和气氛。
　　色彩在雕塑创作中合理运用会丰富雕塑家的表现语言，毕加索、考尔德等大师们在自己的作品上经常使用色彩，使雕塑增添了新的活力和个性特征，以适合现代生活环境，体现鲜明的时代精神，同时以更为丰富的视觉效果和情感色彩，最大限度地满足观看者的心理要求。